Os trilhos da imaginação

Há coisas curiosas e uma delas é a imaginação e os truques que nos prega, apadrinhados pela memória.

No início dos anos setenta, costumava ler o Jornal de Notícias, do Porto e que na época publicava várias tiras desenhadas, em sequência diária, com historietas diversas. A maior parte dessas tiras, provinha da agência americana King Features Syndicate, Inc. e uma delas narrava em desenhos as aventuras do agente secreto Corrigan, também conhecido por X-9.

Os desenhos, em 1971, eram da responsabilidade de Al Williamson, embora tal facto, na época me fosse relativamente indiferente, tal como era a circunstância de a série ter já longos anos e o autor original se chamar Alex Raymond. O que a mim interessava mesmo, na altura, era ler a sequência diária e ficar de um dia para o outro à espera do desenvolvimento da história, nem sequer muito elaborada mas de efeito seguro, tal como qualquer filme de série b.
E os desenhos impressionavam-me pela qualidade intrínseca ao traço fino e preciso com que se mostravam carros, máquinas e...mulheres, geralmente modelos de beleza.
Entre 1 de Fevereiro e 1 de Maio de 1971 o Jornal de Noticias publicou as 78 tiras da história do Prisioneiro do Mosteiro e provavelmente a primeira tira da história que vi, foi esta, porque estava de férias de Páscoa, desde 1 de Abril de 1971.

O que me impressionou na imagem foi o desenho do convento budista.

Não sei porquê, nem sequer o motivo pelo qual nunca perdi essa imagem da memória, entre os milhões de coisas e objectos que entretanto passaram pela consciência e inconsciência. No entanto, a nitidez dessa imagem esquemática e quase em esquisso, ao longo do tempo desapareceu, paradoxalmente, para se fixar numa imagem mais nítida e precisa que se associou ao verdadeiro convento budista no Tibete que aparece nesta imagem. Uma imagem falsa, portanto, uma vez que a verdadeira, original, não era sequer do convento do Tibete e apenas uma alusão ficcionada ( o país da historieta é um inexistente Kalipur) e que no entanto se trasmudou por efeito ilusório ao longo dos anos.

E como descobri isto tudo?

No outro dia, no Porto, num alfarrabista, perguntei por aventuras de Corrigan, precisamente por andar à procura desta historieta. O livreiro mencionou um nome- José Matos-Cruz- como grande conhecedor da matéria e que até tinha escrito nos anos oitenta, vários textos a propósito precisamente, da publicação dessas tiras diárias no Jornal de Notícias. E mostrou-me algumas, de suplementos no Jornal de Notícias e Capital ( o relativo a estas imagens, sei-o agora, foi publicado em 26.10.1986 e 5.3.1987, respectivamente).
Uma busca rápida pela Rede apontou-me o nome do autor, como tendo um blog -Imaginário. E um endereço de email que logo utilizei para lhe expor o meu interesse particular nesta coisa pouco comum. E passados dias recebi a resposta amabilíssima não só com a menção à história em causa, como a data em que foi publicada e onde poderia encontrar tal coisa. Da leitura à ebay foram alguns segundos e na Itália havia precisamente para venda um desses volumes em que tal história aparecia.
São desse volume- Eureka Bum, suplemento ao nº 124, de 15 de Maio de 1974- as imagens a preto e branco e com a dimensão das tiras que o JN publicava que aqui ficam.
E obviamente o agradecimento, mais uma vez, ao especialista José Matos-Cruz.

Aditamento em 15.6.2010:

Al Williamson morreu no Domingo, 13 de Junho, com 79 anos, na sua cidade natal, Nova Iorque. Lido aqui.

Crosby Stills Nash & Young- Déja Vu

Este Lp fotografado saiu em 14.3.1970, nos EUA. Os Crosby Stills Nash & Young, lançaram Déja Vu depois de já terem alcançado notoriedade com o primeiro Lp e em trabalhos dos membros do grupo noutras bandas, como os Buffalo Springfield ou mesmo os Byrds.

Déja Vu, em 1970, valia pelo virtuosismo vocal e instrumental dos músicos e para mim valia pela canção Teach Your Children, cuja toada nunca me cansei de ouvir, sendo uma das músicas que me levou a tentar aprender a tocar guitarra acústica.
No entanto, o som característico dessa música é a pedal steel guitar que aqui é tocada por Jerry Garcia, dos Grateful Dead, segundo se conta em estreia porque o instrumento country por excelência seria novidade para o músico. Diga-se por isso mesmo que o acompanhamento é primoroso de sobriedade e categoria e foi exactamente esse som, nesta canção que me chamou a atenção para o country rock.
Para além disso, o LP original ( na foto) tem um acabamento gráfico excepcional. A capa é rugosa no cartão prensado ( ampliar com um clique para perceber) e a foto é colada, sendo a letra decorada em tom dourado que torna o objecto um verdadeiro álbum.
Uma das capas mais belas da música popular.

Before the flood- Bob Dylan

Este disco ao vivo de Bob Dylan saiu em Junho de 1974 e provavelmente chegou cá a Portugal, dois ou três meses depois. Lembro-me de o ouvir na Página Um da Rádio Renascença e com essa audição, retomei o interesse em ouvir Bob Dylan, cujas canções antigas tinham já ficado para trás no tempo, com um intervalo para Knocking on Heavens ´s door e George Jackson, singles dos anos anteriores.
O disco seguinte, Blood on the tracks, saído em Janeiro de 1975, foi ouvido ( com a canção Idiot wind) pela primeira vez na mesma Página Um, em 18.2.1975, num serviço de correspondência musical com algum residente em Londres que enviava para cá os discos novos.

Com Before the Flood, as antigas canções como Like a Rolling Stone, Blowin in the wind ( que se lhe segue no disco) e Don´t think twice it´s allright ganharam novo fôlego e durante muitos anos lembrei-me desse som que ouvira no rádio, incluindo alguns temas pelo grupo The Band ( Up on cripple creek tem aí uma das melhores versões e que é referência para mim, na clareza de instrumentação) que acompanhou Dylan nessa tournée americana, muito falada na época, como atestam as reportagens das revistas estrangeiras da especialidade ( Rolling Stone e Rock & Folk, por exemplo e na imagem).

O som do LP, de prensagem americana, original, naturalmente restitui toda a magia do som de época, suplantando em muito o som algo abafado do cd duplo que saiu em 1990. Apesar de ter saído uma edição rematrizada, recentemente, ainda não ouvi e por isso fico-me com o som do LP como referência.

José Fortes

Este conjunto de discos de música popular portuguesa, o que têm em comum?

A figura de José Fortes, a sua sensibilidade de técnico de som e a sua perícia na arte de misturar as sonoridades para a gravação. José Fortes é um dos técnicos de som que aparece em quase todos os discos de música popular portuguesa, particularmente nos retratados acima.

Em 2006, a propósito da reedição de um disco da Banda do Casaco, Hoje há conquilhas, amanhã não sabemos, ( na imagem, em tom amarelo de ovos estrelados) LP original de 1977, cuja gravação master, original, desapareceu, José Fortes, dedicou-se à recuperação do som do LP, para regravação em formato digital, o que aconteceu em Outubro desse ano e com uma nota de José Fortes a dizer assim:

"Quem decide deixa desaparecer o original.
Quem aprecia recupera-o dos escombros.

Podemos continuar a ouvir a Banda do Casaco."


Imagem da revista Única do Expresso de 22.5.2010. Clicar para ler

40 anos a deixar rolar os Beatles

Faz hoje 4o anos que o LP Let it be dos Beatles foi lançado.

Em Maio de 1970, a música dos Beatles, para mim, ainda era novidade na sua maior parte. E continuaria a ser uma vez que a audição dos LP´s era coisa de discoteca, de passagem e no rádio só passavam singles. Por isso mesmo, só muito mais tarde ouvi alguns dos temas de Let it be que me deixaram surpreendido, como por exemplo Two of us, o tema de abertura e como já contei por aqui.

Não sei exactamente quando saiu o LP por cá e quando ouvi as suas músicas pela primeira vez, mas julgo que teria sido alguns meses depois do lançamento em Inglaterra, porque assim costumava ser.
Por isso, em Agosto de 1970, a revista Mundo da Canção mostrava a capa do LP em tonalidade bi-cromática de amarelo e azul celeste e no interior as letras de The long and winding road e Two of us, precisamente.
No entanto, o tema já era redundante, nessa altura, porque os Beatles eram apenas mais um grupo na explosão da música popular de expressão anglo-americana. Havia outras coisas para ouvir, incluindo a pop mais comercial dos Christie ( Yellow River) ou de Michel Delpech ( Wight is Wight), Shocking Blue ( Venus) ou mesmo Marmalade ( Reflections of my life), para além do rock dos Led Zeppelin e o disco II que continha o incontornável Whole Lotta Love, saído em finais do ano anterior e nessa altura de Maio já a estourar nos rádios em onda média. E também os Crosby Stills Nash & Young, cujo tema Teach Your Children do Lp Déjà Vu, saiu na mesma altura. Ou Cecilia, dos Simon & Garfunkel de Bridge Over Troubled Water.
O mais provavel seria o tema da Eurovisão, All kinds of Everything, de Dana. Muito bonito, por sinal.

Quando Let it Be chegou por cá, apareceu também em versão de luxo- uma caixa preta com as fotos dos membros do grupo e sem dizeres na parte da frente. Lembro-me de ver essa caixa e o livro que a acompanhava que era de luxo e que nunca vi. Mas como quem não tem cão, caça com gato, há imagens na Rede, do precioso artefacto que custa actualmente uma pequena fortuna de algumas centenas de euros, em alguns casos.

Recordo ainda a discussão entre amigos, na altura, sobre a tradução do tema, Let it be. Ainda hoje não sei exactamente qual a mais acertada. Por isso, deixa rolar.

Plágios assumidos

Na entrevista que Donald Fagen e Walter Becker deram à revista americana Musician, de Março de 1981, em oito páginas, em determinada altura o entrevistador David Breskin refere aos dois músicos de Steely Dan se eram familiares com um tema chamado Long as you know you´re living yours, do disco Belonging de Keith Jarrett. Becker responde logo que sim. E acrescenta depois, a uma pergunta da Musician sobre a circunstância de a ter comparado com o tema Gaucho que...não.
E o repórter insiste em referir que em termos de tempo e da linha de baixo e a melodia do saxofone tal se torna interessante.
Becker responde-lhe, encavacado que " Parenthetically it is, yeah". E o reporter escreve que naquela altura deveria passar ao off the record, mas os artistas autorizam o off em modo de escrita on e Fagen refere explicitamente que " we were heavily influenced by that particular piece of music" e ainda acrescentou: " we steal. We´re the robber barons of rock n´roll", indicando que a outra composição no disco que apresenta uma óbvia semelhança com outras músicas é "Glamour Profession" com a música do grupo Dr. Buzzard´s original Savannah band.

Ora aqui estão os corpos de delito. Primeiro o original de Keith Jarrett:



E a seguir, a versão de Gaucho, notoriamente inspirada naquela:



E a sonoridade do Dr. Buzzard original savannah band:



Comparada com o tema Glamour Profession dos Steely Dan:

Steely Dan e Gaucho

O disco em análise na Hi.Fi News com data de Maio de 2010 é o Gaucho dos Steely Dan, um disco originalmente publicado em finais de 1980 e que a revista, como habitualmente, analisa na suas várias versões gravadas, em LP e cd e mesmo, no caso os formatos japoneses, em prensagens de meia-velocidade.
A conclusão da revista é a de que as primeiras prensagens do LP original, são as melhores em termos sonoros, comparáveis inclusivé, às prensagens posteriores em modo audiófilo ( em 1981) pela MCA.
Em cd, cuja primeira edição surgiu em 1984, a melhor versão será a do SACD de 2003 ou a do cd misturado por Elliot Schneider para a DTS, em 1997.

Por causa destas dúvidas sonoras, ao longo dos anos fui procurando o nirvana sonoro que sabia existir no disco Gaucho, gravado com produção de Gary Katz.
Já dei conta neste blog da apreciação crítica a este disco particular dos Steely Dan e do tema particular que me chamou então a atenção quando o disco saiu e era reproduzido no rádio Popular de Vigo, em emissões consagradas ao novo formato digital do cd: Third World Man. Por causa desse tema vim a conhecer todos os demais discos dos Steely Dan e alguns melhores que Gaucho ( Pretzel Logic, de 1974, por exemplo).
Assim, o primeiro LP que arranjei foi no El Corte Inglès de Vigo, em prensagem espanhola, tal como os outros Lp´s do grupo. O som não é mau, mas é menos que perfeito e não tinha as letras das canções na capa interior, o que não acontecia com o LP original, como vim a saber depois. Para descobrir os músicos que tocavam, entre os quais Mark Knopfler num tema ( Time out of mind) foi preciso aguardar meses de pesquisa avulsa.
Anos mais tarde, já nos anos noventa, apareceu a versão do disco em importação da Valentim de Carvalho da prensagem alemã da Warner, à semelhança de muitos outros discos então importados a preços mais baixos que os habituais. A capa desse disco era de qualidade gráfica superior à espanhola ( o que nem era preciso muito porque era algo descolorida e anémica) e além disso tinha as letras das canções impressas na capa interior fina, mas com os músicos todos em evidência. Para este grupo é sempre importante conhecer os músicos que tocam nos discos.
Durante anos foi com estes dois LP´s que referenciei o som dos cd´s que entretanto também arranjei. Primeiro, o cd original de 1984 e depois um outro da Mobile Fidelity, em original Master Recording que se fazia pagar mais do dobro do cd normal. O som melhorado em relação ao primeiro cd, ainda não satisfazia inteiramente e por isso logo que saiu a versão em cd, em 2003, experimentei também, quase me convencendo que estava aí a versão definitiva. Mas não.

Por ler a crítica da HI-Fi news, arranjei agora no ebay, o LP original, em prensagem USA. E de facto é outra coisa e o melhor de todos, cd´s incluidos.

É este o som de Gaucho que prefiro e que admiro e que não me canso de escutar. E esta é uma das experiências mais satisfatórias que pode haver: descobrir realmente esse nirvana sonoro que sabemos existir.

LP original, seguido da prensagem espanhola e da alemã.

Cd original de 1984, seguido da versão da Mobile Fidelity de 1991 e da versão em SACD de 2003, com o anúncio ao LP publicado na Rolling Stone de Janeiro de 1981, na capa que traz John Lennon e Yoko Ono abraçados, numa fotografia célebre de Annie Leibowitz e publicada já depois da morte daquele. Ainda a revista Musician de Março de 1981 com uma entrevista extensa aos dois mentores do grupo, Donald Fagen e Walter Becker, na qual confessam vários plágios na música que fizeram.
A seguir, a comprovação de um deles...

Fora de Órbita

Duas páginas de programação de rádio, da revista R&T de Agosto de 1970 e Janeiro de 1974.

O programa de rádio Em Órbita, começou a transmitir-se em 1.4.1965 e no seu formato inicial, com passagem de música popular de vanguarda ( na época, a de expressão anglo-saxónica, o pop/rock) e com a apresentação de Cândido Mota e a realização, entre outros, de Pedro Soares Albergaria, João Manuel Alexandre e Jorge Gil.

Como se pode ver clicando na imagem acima da revista R&T de época, em Agosto de 1970, o programa transmitia-se das 19h às 21h. Em finais de 1973, havia um Em Órbita dois, a passar às 24 h, no mesmo rádio: o RCP em FM. Anunciava-se nessa altura o aparecimento do Em Órbita que em Junho de 1974 passava já às 19 horas e até às 21h, como anteriormente.
Em Maio de 1971, o programa terminou esse percurso pela música popular e passou a outra forma mais erudita.
Nos anos oitenta, o programa apresentado nessa altura por João David Nunes, passou a focar a sonoridade radiofónica na música antiga erudita e em meados da década, patrocinou inclusivamente a realização de concertos. No caso do tricentenário do nascimento de J.S.Bach ( 1685-1985), a Erato e a Dacapo, produziram um disco duplo, com os Concertos brandeburgueses, de J.S.Bach, pela Orquestra Barroca de Amsterdão, dirigida por Ton Koopman.

Foi nessa altura que o Em Órbita, ( cujo indicativo era o tema último da Deutsche Messe, Schlussgesang) , despertou a minha atenção para esse tipo de música barroca e particularmente Ton Koopman, levando-me a comprar o LP comemorativo ( acima e que se amplica com um clique), com os seis concertos tocados em instrumentos antigos que emprestam à sonoridade uma característica própria e algo anacrónica.

O mesmo Ton Koopman que hoje se terá apresentado no Auditório da Gulbenkian. Provavelmente com a presença de Jorge Gil...e que poderia ser entrevistado agora para falar do seu programa e principalmente do rumor que anda por aí, no sentido de o mesmo guardar religiosamente as gravações em fita, do programa Em Órbita daqueles anos todos.

Se isso fosse verdade e Jorge Gil se disponibilizasse talvez que um mecenas pudesse ajudar à concretização de um sonho: retomar as memórias desse programa ímpar na nossa rádio. Talvez um Teixeira Pinto que agora se dedica a coisas da cultura tivesse memória de Em Órbita. Talvez outros.

Die wahre sache

É este o disco da versão da Deutsche Messe , d872, de Schubert, que procurava. Um pequeno LP ( de dimensão inferior aos demais), com pouco mais de 30 minutos de duração, gravado em 1959, pela Orquestra Filarmónica de Berlim, sob a direcção de Karl Forster ( 1904-1963).

O disco é uma pequena maravilha sonora, mesmo que a fidelidade não seja da mais elevada que é possível escutar ( a gravação stereo é de 1959). E foi um suíço quem mo vendeu, a quem além do mais fico obrigado porque me permite agora escutar, em cassete, porque a gravação analógica é outra coisa bem mais equilibrada que a digital.
A versão actualizada poderá ser esta.

Schubert- Missas

Nos anos setenta e oitenta costumava ouvir o Em Órbita, programa de rádio de Jorge Gil que nessa altura já passava exclusivamente música erudita.
O indicativo desse programa que começava às sete da tarde era uma peça coral, que vim a saber mais tarde tratar-se de uma parte de uma missa alemã de Schubert.
Devido ao tom majestoso e cerimonioso da prestação coral, de grande beleza estética e que suscita uma inclinação espiritual na escuta, procurei durante anos, o disco que a apresentasse do modo como a ouvira nesse tempo.
A busca demorou anos e incursões frequentes em discotecas, à procura do verbete Schubert-Missas.
Em primeiro lugar foi o LP, ainda nos anos oitenta, em prensagem alemã da Acanta, com a versão da Deutsche Messe D. 872 pelo Tölzer Knabenchor, dirigido por Gerhard Schmidt-Gaden, gravação de 1975. A aquisição terá ocorrido na célebre discoteca Santo António, no cimo da rua 31 de Janeiro no Porto e onde ouvi talvez a melhor aparelhagem sonora de sempre, com uma colunas Bowers & Wilkins série 801.( imagem tirada da Rede)

O som que ouvi não me devolveu o que a memória guardava do tempo do rádio Comercial, nos breves segundos do início do Em Órbita.
A parte escutada respeitava sem dúvida ao final Schlussgesang. Um coro em "chave de canto" que terminava a "missa alemã", tal como conhecida mas com a designação D. 872.
Mas não era aquilo. Era demasiado rápido para a versão que conhecia do Em Órbita. Demasiado apressado para a majestuosidade do Schlussegesang que ouvira antes, apesar das entoações dos sopros se lhe assemelharem.
Como não era bem aquilo, procurei outras versões da "missa alemã".

Conforme se vê pela imagem acima, apareceu outra versão em cd, da Ophelia Records e com data de 1988, mas com gravação de 1980, o que manifestamente não poderia ser, porque a versão que ouvira vinha já dos anos setenta. E o som do Final, da Schlusse, da chave, não era bem aquele, porque também demasiado apressado no compasso e diverso no som coral.

Em seguida experimentei a versão em cd da Capriccio, gravação de 1988 e com o Rias Kamerchor , RSO de Berlim, com direcção de Marcus Creed. O Schluss final quase me convenceu porque a versão é muito próxima da que ouvira. Durante algum tempo tive a ilusão de que era aquilo, mas uma audição atenta, levou-me à desapontadora conclusão de que ainda não era.
E procurei em vários sítios, em diversas discotecas em todo o lado onde fui. Em Viena achei que encontraria porque é um sítio onde se comercializa muita música erudita à sombra de festivais e de uma ópera que se manteve idêntica durante os decénios que a sustentam. Mas não encontrei.

E um dia, do ano passado, na FNAC de cá, reparei numa caixinha da EMI Classics, uma compilação de 1988/2007, com gravações antigas.
Uma delas respeita à gravação de uma "missa alemã", de 1960, da Orquestra Filarmónica de Berlim, dirigida por Karl Forster, com o coro da Catedral de Santa Edwige de Berlim.
É esta a versão que sempre ouvi na minha memória e agora canta em CD, neste dia de Sexta-Feira Santa.
A paixão de Cristo numa "missa alemã" que afinal não tem o número de série D. 872 mas sim o D. 621. E por causa disso, andei anos à procura de um som. De um coro. De uma versão musical de uma missa, um requiem, cuja primeira apresentação ocorreu em Viena, em Setembro de 1818.
Uma peça musical sublime.

Genesis- A trick of the tail

Em 1974 os Genesis publicaram The Lamb lies down on Broadway, considerado o disco de referência do grupo, na altura e merecedor de encómios como o de necessitar de várias audições para lhe extrair o sumo sonoro e temático. Foi assim que o disco passou no rádio Comercial de então, apresentado por um divulgador- convidado, salvo o erro João Filipe Barbosa ( que é feito dele?) e que em finais do ano desse ano ou início do ano seguinte ( o disco foi lançado em Novembro de 1974 e por cá demorava mais um pouco a chegar) o apresentou como um disco de importância fundamental, com a sua introdução em arpejos de piano.

Durante mais de um ano foi esse o disco dos Genesis que se ouvia até que em 1976, ( Fevereiro) já depois da saída do cantro compositor Peter Gabriel, o grupo lançou o disco A Trick of the Tail, vocalizado pelo baterista Phil Collins.
Esse LP acompanhou o meu primeiro ano em Coimbra e é de memória relevante nas melodias que o compõem como Entangled ou Ripples.
A versão em LP, na imagem acima, foi fabricada e lançada em Portugal pela Polygram e não tem uma qualidade sonora por aí além, por ter uma prensagem pouco nítida nos sons e que os cd´s lançados posteriormente quase ultrapassam com facilidade.
O primeiro cd ( na imagem por cima do outro) foi lançado em 1984 e tem um som razoável por comparação com o do LP.
O outro cd, lançado em 2007 e que fazia parte de uma caixa com todos os discos, então rematrizados e remisturados, dos Genesis a partir de 1976 ( outra existe até essa data) é uma junção de três formatos e aparece em dois discos. Um deles junta o cd simples em 16 bits/44,01 kHz com a versão em SACD. Noutro disco aparece uma versão em dvd-audio e ainda extras em filme dvd, com gravações de concertos dos Genesis em 1976 e 1977, o que por sí vale a compra.
Para além disso, a versão em dvd-audio é superior à do SACD e à do LP em prensagem portuguesa.

Pat Metheny na Páscoa

Nas semanas santas dos anos oitenta, a Rádio Renascença costumava passar música instrumental, depois de alguns anos antes, passar música sacra, erudita.

Era nessa altura, uma semana de pequenas maravilhas instrumentais em que se ouvia coisas que não passavam noutras alturas e se descobriam sons diferentes do mainstream da pop/rock.

Foi assim que descobri alguns álbuns e artistas diversos como os Weather Report, Spyrogira, Eddie Daniels, etc. E Pat Metheny que já era conhecido, passava em muitas horas, com os diversos discos que já tinha publicado.
Por outro lado, em todas as épocas de Páscoa, costumava comprar um disco diferente e com melhor qualidade. Num desses anos, em meados da década de oitenta, a escolha recaiu em First Circle, em LP.
Esse disco fantástico é um dos poucos cuja versão em cd, também da etiqueta ECM, alemã, equivale em som ao LP publicado originalmente em 1984.

A curiosidade em Pat Metheny começou igualmente com o título de um disco. Este, em parceria com Lyle Mays, de 1980.

Van der Graaf Generator- capas de discos

Os discos de Van der Graaf Generator, grupo inglês dos anos setenta, fizeram parte da minha companhia musical desde Godbluff, de 1975. O tema The undercover man, escutado vezes sem conta, começava lentamente e em sussurro..."here at the glass".
Logo que os primeiros compassos surgiam do éter no rádio, várias vezes corri para o gravador de cassetes para gravar o disco todo que então passava em programas do rádio... Comercial, ainda da rede pública.
No ano seguinte saíram dois discos- primeiro Still life cuja capa admirava no escaparate da discoteca e por isso é das capas que mais aprecio na música popular. A música, essa, continuava na veia do disco anterior, com o destaque para os saxofones de David Jackson.
O disco saiu nos primeiros meses de 1976, ( em Abril) e faz agora 34 anos.
Entre as várias versões em LP e cd, o Lp original suplanta em qualidade de gravação sonora, a do primeiro cd, de 1988, com um som demasiado anémico e mesmo a rematrização de 2005, apesar disso, com muito melhor qualidade que o anterior cd.

Alguns meses depois, em Outubro de 1976, saiu World Record. Quando o disco começou a passar no rádio ( perto do Natal? Já em 1977?) nem queria acreditar que um novo disco dos VDGG surgisse tão cedo e com uma qualidade idêntica à dos anteriores. Ainda nem tinha digerido todo a matéria sonora de Still Life e eis que surge a composição Wonderin´ a passar no rádio, com uma beleza que foi ficando durante o ano de 1977, a par do primeiro Peter Gabriel a solo, dos Kinks de Sleepwalker e dos discos de Roy Harper, mais a música brasileira.

No mês de Abril 1977, a revista Música & Som publicou um artigo sobre o disco , com análise musical ( João David Nunes ) gráfica e técnica ( Manuel Bravo e Filipe Costa), para além das letras ( João de Menezes Ferreira).

Sandy Denny-Like an old fashioned love song

O disco Like an old fashioned love song de Sandy Denny gravado em 1973 e publicado em Junho de 1974 é um dos grandes discos da cantora falecida em 1978.
É um disco que se escuta da primeira à última faixa, sempre com canções memoráveis. Perdi já as vezes que o escutei desde que comprei o LP no final dos oitenta e por causa da primeira música, Solo, que ouvira no tempo, na Página Um.

O LP na imagem, à esquerda, prensagem de 1986, da Carthage Records tem uma sonoridade que os sucedâneos da direita não alcançam.

O cd mais à direita e com um verde mais claro é da Rykodisc/Hannibal Records , dos primeiros anos da década de noventa do século que passou e é o que soa pior. Como se a música que lá contém se ouvisse através de uma cortina de veludo que filtra o som e o torna algo espesso e sem relevo nos pormenores instrumentais que lá estão.

O cd do meio, rematrizado em 2005 pela Island Records, tira essa cortina, mas o impacto sonoro é maior do que no LP que soa um pouco mais laid-back e melhor, com maior definição de detalhe sonoro.

Sobre a etiqueta Hannibal, uma informação recolhida na Rede permite entender como se formou e evoluiu:

"Hannibal/Carthage were labels run by Joe Boyd, who was the American ex pat (or, at least living abroad) who ran London's famous UFO club. He was also a very influential record producer, responsible for discovering Pink Floyd.

As friends with Chris Blackwell, he produced Fairport Convention and Nick Drake (among others) for Island and, I believe, the Incredible String Band for Electra.

At some point, in the late 70s I believe, he started his own labels, which specialized in Brit Folk, including reissuing several Fairport and Richard and Linda Thompson albums. Richard also signed with him to release his new material, as well.

I forget if there was a distinction between what was released on Carthage, and what on Hannibal, but, ultimately, Boyd sold out to Rykodisc, who folded the Carthage imprint."

Blonde on Blonde- Dylan

A revista inglesa Hi-Fi news datada de Abril de 2010, consagra a sua recensão crítica do mês, ao LP de Bob Dylan, Blonde on Blonde, editado nos EUA no mesmo dia que Pet Sounds dos Beach Boys-16 Maio 1966.

Blonde on Blonde é um dos discos de rock que mais aprecio colocando-o no patamar dos cinco maiores que conheço. No entanto, só ouvi o disco mais de meia dúzia de anos depois de ter saído. Em primeiro lugar ouvi Just Like a Woman, na versão que Dylan apresentou no Concerto para o Bangla Desh, em 1971.Durante anos a fio não soube sequer como era o disco e que aspecto tinha. Duplo, com uma faixa- Sad Eyed lady of the Lowlands- que escuto neste preciso momento e que se prolonga por quase 12 minutos, ocupando uma faixa inteira do LP original.
Em Março de 1976 a revista Rock & Folk publicou duas páginas de recensão crítica aos discos de Bob Dylan, por ocasião da publicação de Desire, nessa altura, para mim, já sem interesse por aí além e depois do último disco grande de Bob Dylan, Blood on the tracks.
O crítico da revista menciona " as míticas pensagens US, tão difíceis de desencatar, belas e robustas no seu cartão" referindo-se às capas dos Lp´s americanos, com um cartão muito diferente do europeu, mais espesso e com melhor impressão gráfica das imagens por causa disso.

Ainda assim, foi nessa altura que pude ver a capa, mas nem sequer a cor da mesma, dos primeiros discos de Dylan e procurei saber qual seria Blonde on Blonde, descobrindo por exclusão de partes uma vez que o disco apenas tem uma foto do cantor, desfocada.

A cor verdadeira do LP só a vi em meados dos anos oitenta quando comprei um exemplar, de prensagem espanhola, do ano de 1980.
A revista Hi-Fi news destaca a versão em cd da Mastersound-Cloumbia Legacy que também arranjei posteriormente e que provavelmente será um dos poucos exemplos em que o som do cd ultrapassa de modo implacável e indiscutível o do LP, nesta prensagem espanhola de fraca qualidade. Não conheço a qualidade do LP original mas pelos comentários do articulista da revista, o cd poderá bem ser superior, o que é de admirar.

Jean Ferrat

Morreu Jean Ferrat, um dos cantores franceses que marcaram o séc. XX. na Chanson française, a par de Brassens, Leo Ferré, Regianni ou Moustaki.

No final dos anos noventa, por causa destes cheguei à música de Jean Ferrat e deparei logo com uma cujo título me despertou atenção: Camarade. Camarada? Exactamente. Jean Ferrat era comunista, não bem ortodoxo mas poeta do comunismo e que por isso o levou a cantar Aragon, precisamente.

Ainda assim, são várias as canções cuja qualidade não respira ideologia. Como esta:

Deep Purple

Em 1972 saiu um álbum dos Deep Purple que se tornou um ícone do hard-rock, acompanhando os Led Zeppelin ou os Black Sabbath nesse estilo musical com predominância da guitarra em distorção e secção rítmica acelerada. O disco marcou os anos setenta, com duas ou três canções que ficaram no ouvido e fartaram de soar na época.

O álbum Machine Head é o disco escolhido pela Hi-Fi news deste mês ( imagem acima, clicar para ler), para o destaque sonoro.
Como habitualmente, a revista colige todas as edições do disco original, fazendo uma apreciação crítica dos diversos formatos e edições posteriores.

Depois do LP original sobressai a edição comemorativa do 25º aniversário, de 1997 e a edição em sacd, de 2003.
Na reedição de 1997, com dois cd´s, os temas foram remisturados num cd e no outro apenas rematrizados. Prefiro esta última melhoria.

O LP tem como símbolo sonoro o famoso Smoke on the water, single de sucesso, mas inferior em qualidade ao primeiro tema, Highway Star, com ideias musicais mais tarde exploradas por uns Van Halen, como se pode ouvir no solo de guitarra de Richie Blackmore, com progressões em arpejos que foi buscar a...Bach. Tal como o Whiter shade of pale dos Procol Harum.

Loudon Wainwright III

Durante o ano de 1976, no rádio, num eventual programa de Jaime Fernandes, passou um disco que foi repetido uma vez ou outra. A voz, parecia a de um trovador tipo Dylan com inflexões de Arlo Guthrie e os temas soavam a country e folk.
O disco era de Loudon Wainwright III e o álbum, T Shirt. Os temas que ouvira, para além do tema do momento- Bicentennial-, no momento da comemoração dos 200 anos da independência americana, havia mais dois ou três que ficaram no ouvido e um deles- Wine with dinner- motivou a procura do disco que nunca encontrei nem sequer em foto a cores. O tema não está disponível no You Tube e só agora, passados mais de trinta anos, o ouvi novamente. Tal como já escrevi, soa como se o ouvisse ontem. O refrão desse tema, à semelhança de alguns outros, poderia fazer parte da banda sonora da minha música de sempre.

Para além de Wine, o destaque vai para Talking big apple, sobre Nova Iorque; Reciprocity, outro dos temas esquecidos que o tempo recupera e quase todos os demais, porque o disco não tem temas fracos e está muito bem acompanhado musicalmente.
Além disso, tem uma pequena curiosidade que nunca vi noutro: o tema Wine with dinner, toca no fim do primeiro lado e retoma o verso final, não cantado, no fim do segundo lado.
Por causa desses dois ou três temas, durante anos a fio, esperei encontrar o disco cujo nome exacto nem sabia, porque os temas tinham apenas alguns fragmentos de letras na minha memória, como sejam o de relatar os problemas de Nova Iorque com o remate de que "Ah, but it´s not boring".
Assim, em determinada altura encontrei A Live one e esperei que fosse nesse disco que o tema Wine with dinner se encontrasse. Não encontrava e em vez dele, descobri outros, como Motel Blues ou Down drinkin at the bar. Mas...não era a mesma coisa.

The real thing é mesmo o LP T Shirt. Um grande disco, esquecido injustamente.

Cat Stevens- Tea for the tillerman -40 anos

Clicar para ler.

A leitura da revista Hi-Fi news deste mês trouxe a surpresa de ver um artigo bem documentado sobre o LP Tea for the tillerman, de Cat Stevens, com pequenos apontamentos de entrevista ao próprio compositor.

O disco, lançado em Novembro de 1970, é talvez o melhor do cantor, a par de Teaser and the firecat e um dos temas- wild world- na versão de Jimmy Cliff- suscitou a um rapazito de pouco mais de quatorze anos, uma performance musical, no grupo Os Ladinos, com acompanhamento de bateria, a la Levon Helm, com direito a papel com a letra escrita num dos tom tom do instrumento.

O artigo da Hi-Fi news elenca os "formatos alternativos" ao disco original, na página copiada e indica a versão em cd, da Mobile Fidelity, de 1988, como sendo aquela cujo som se aproxima mais do ouvido no estúdio quando o disco foi gravado.
O disco da MF tem esta capa e ouvi-o agora mesmo. Duas vezes. Depois de o ter ouvido , seguramente, dezenas de vezes, ao longo dos anos.

Jacques Martin

Na semana que passou, morreu, aos 88 anos, Jacques Martin, o último representante vivo da banda desenhada de "linha clara", a escola belga de Hergé que tinha em Edgar-Pierre Jacobs a outra pedra angular dessa grande casa da banda desenhada.

O autor de banda desenhada começou na revista Tintin, na Bélgica, em 1948, com Alix, o herói da antiguidade clássica que Jacques Martin integrava em histórias realistas e com alto grau de proximidade à realidade histórica conhecida. Em 2002 , foi entrevistado por Eurico de Barros, no Diário de Notícias.

Alix foi publicado na revista Tintin, nos anos setenta, em várias aventuras.

Não obstante, foi com outro personagem que comecei a dar atenção a Jacques Martin: Lefranc, publicado na edição portuguesa de Tintin, logo que comecei a comprar a revista, no início de 1972.
No entanto, nessa altura, já as historietas eram desenhadas por outrém, Bob de Moor, um outro colaborador do Tintin e seguidor da linha clara, belga.

Na revista portuguesa, a história A Toca do Lobo, desenhadao por Bob De Moor, suscitou a minha atenção pelos detalhes realistas das paisagens, carros e cenas de enquadramento quase cinematográficas.
Nessa aventura, o herói Lefranc, um jornalista de investigação, para chegar à "toca do lobo" tem de escalar uma montanha dos Vosges franceses. E aí, ataviado de mochila, cordas e roupa de alpinista, motivou alguns desenhos para estudo de sacos...

No Verão de 1973, a Tintin portuguesa publicou a primeira aventura de Lefranc, A grande ameaça, desenhada e escrita por Jacques Martin, e publicada no Tintin belga, em 1954. A diferença de desenhos e estilo de "linha clara", é notória entre este e Bob de Moor, se bem que a edição de 1973, na capa pelo menos, difere da original.

O rigor geométrico e de pormenor definido, em Jacques Martin, ( imagem abaixo à direita, da primeira prancha de A grande ameaça, no Tintin de 25.8.1973) aproxima-o muito mais de Edgar Pierre Jacobs do que os desenhos de Bob de Moor ( imagem da esquerda, em baixo, da aventura A toca do lobo, no Tintin de 1.4.1972), em si mesmos também um primor de virtuosismo artístico.

Kate McGarrigle

Na música popular, de todas as expressões, não há assim tantas artistas femininas, singulares, como isso.

Na pop/rock, o número dos discos que guardei e aprecio, de música composta, tocada ou cantada por mulheres, ainda se reduzem mais.

Sandy Denny, Joni Mitchell, Linda Rondstadt ou Emmylou Harris e Joan Baez, destacam-se entre outras porque tenho discos que aprecio.

Mas há duas irmãs canadianas que ficaram no ouvido, nos anos oitenta, logo que ouvi um ou outro tema no rádio: Kate & Anna Mcgarrigle.

Kate morreu esta semana que acaba, como dá conta o blog das irmãs. Rodeada de paz, tranquilidade e a presença da família, segundo se escreve. Fora casada com Loudon Wainwright III, pai de Rufus, como mesmo apelido e por causa disso, encomendei este disco que não ouço há mais de trinta anos e sei que vou ouvir como se fosse ontem. É o disco do Bicentennial, de 1976.

Por enquanto, ouço dois Lp´s das irmãs, na foto acima, em prensagem de capa original canadiana. O primeiro, de 1975, apenas com o nome das irmãs e o segundo, de 1977, Dancer with bruised knees.
Duas pequenas jóias da música popular, bilingues em algumas faixas, por causa do francês do Canadá e deliciosos de escutar, de uma subtileza musical que só comparo a certos artistas ( como Paul Simon me ocorre agora).
O primeiro, de 1975, é mais que uma pequena jóia, porque um dos melhores discos de música popular, todos os géneros confundidos e com a participação de artistas de grande gabarito como Lowell George, dos Little Feat; Steve Gadd, na bateria; David Grisman; Amos Garrett- autor do solo de Midnight at the oasis, de Maria Muldaur em 1973 e outros.

Por isso, merci beaucoup Kate & Anne Mcgarrigle, pour votre musique.

Thank you for the music.

Procol Harum forever

A música dos Procol Harum era assim analisada na revista Rock & Folk de Setembro de 1969, por ocasião da recensão do terceiro disco do grupo, A salty dog:

"A voz de Brooker. As palavras de Reid. O órgão de Fisher. Uma orquestração fabulosa. O resumo de tudo o que pop-music hoje tem de melhor. A combinação perfeita de influências que vão da música clássica ( o wagneriano Wreck of the Hesperus) aos ritmos antilhenses ( Boredom, ao lado do qual Ob la di e todos os rock steady do ska-blue-beat do mundo fazem pálida figura), passando pelo bom velho blues das famílias ( Juicy John Pink). Uma música tanto sólida como delicada, refinada ou swingante, se não é a ideal não anda longe disso. A salty dog não marca o nascimento de um grande grupo, mas, enfim, o seu reconhecimento."

Os três primeiros discos dos Procol Harum, de facto, são obras-primas e dizê-lo passados mais de quarenta anos, significa um reconhecimento apócrifo.
Do primeiro disco, homónimo, ressalta imediatamente o primeiro tema, Conquistador. O segundo é outra maravilha- She wandered through the garden fence- que José Cid ouvir muito bem para compor um single de êxito dos anos setenta.
Mas os temas que seguem, suscitam a mesma atenção sonora, com destaque para Salad days ( are here again) ou o final, Repent Walpurgis.

O segundo disco, Shine on Brightly, de 1968, foi lançado nos EUA com maior sucesso que no UK, por motivos conjunturais, de desinteresse relativo da terra onde nasceram, conforme então se escrevia.
O disco é ainda superior ao primeiro em qualidade, sem falhas do primeiro ao último tema, com destaque para uma composição em cinco partes- In Held Twas in I. A canção Ramblin on é de adição sonora garantida, tal como o era Salad days do primeiro disco.

A Salty dog saiu em Junho de 1969, na Inglaterra. É outro disco de grande fôlego do grupo, havendo quem assegure ser o melhor de todos, o pico da carreira do grupo. Por mim, o segundo é que é.

A partir daí, o disco de 1970, Home, retoma uma linha mais rock e com predomínio de guitarra de Robin Trower, com temas de blues típico e misturas de sons de guitarra com órgão Hammond, uma marca de água do grupo, desde o tema inicial, de 1967, A whiter shade of pale.

O disco seguinte Broken Barricades, de 1971, retoma de algum modo o estilo mais antigo, com músicas como Luskus Delph e o próprio tema Broken Barricades.

Em 1972 saiu um disco ao vivo que se tornou o emblema do grupo para regressar ao interesse público com os temas antigos, como Conquistador, tema de abertura e sem menção ao êxito A Whiter shade of pale.
Depois disso, surgiu em 1973 Grand Hotel, um grande disco a que se seguiu outro do mesmo tom, Exotic birds and fruit.
Em 1975 saiu Ninth, na mesma linha, embora um pouco mais fraco musicalmente e em 1977 saiu o último álbum com interesse elevado dos Procol Harum: Something Magic, um bom disco, eventualmente superior aos dois antecedentes.

Em dez anos, o grupo publicou dez magníficos discos e não há muitos grupos na música popular que o tivessem conseguido.
Aliás, nem lembro de nenhum...com uma única e óbvia excepção e por isso as últimas semanas tem sido uma audição contínua da música dos Procol Harum

As revistas de 1979

Há trinta anos, as revistas de música que lia, resumiam-se a duas: a Rolling Stone e a Rock & Folk .

A revista Feature que aparece na imagem é de 1979 mas foi comprada há pouco, por ser uma herdeira da Crawdaddy, entretanto desaparecida.

Músicas de há trinta anos- 1979.

Em 1979, lembro-me bem, nos primeiros meses, por circunstâncias pessoais e trágicas, deixei de ouvir música, durante muito tempo.

Um dia, ou uma tarde, em descanso de sesta, acordei com uns sons que já tinha ouvido antes e não prestara atenção: no rádio soava "Reeling in the years", dos Steely Dan, de 1973 ( LP Can´t buy a thrill) com a guitarra de Elliott Randal ( um músico de estúdio que suplantou Jeff Baxter no solo, por este não o apanhar bem na altura e a quem este pediu para o tocar). O solo já foi considerado pelo próprio Jimmy Page, como o seu favorito de sempre ( informação do livrito The complete guide to the music of Steely Dan). Essa música particular retirou-me da letargia e voltei a ouvir música que nesse ano ainda não acabara de todo, como na canção de Don McLean.
No início do ano saíra um disco de interesse na música reggae, misturada com rock/pop. Bush Doctor, de Peter Tosh, com a colaboração de Mick Jagger é um disco cujo tema de abertura, Gotta Walk, don t look back, saiu em single no final de 1978 e tem vocalização daquele. No entanto, o que chama a atenção sonora é a rítmica de ferro de Sly Dunbar e Robbie Shakespeare uma dupla que viria a dar muito que falar na música popular. O disco é dos melhores no reggae, versão pop.
Também nos primeiros meses, saiu Minute by minute dos Doobie Brothers, com o êxito What a fool believes e o instrumental fantástico Steamer lane breakdown.
Os Bee Gees que em 1977 tiveram um êxito de estrondo com o disco-sound de Saturday Night Fever reincidiram no início de 1979, com o disco Spirits haveng flown, um disco que alinha uns tantos êxitos discretos que ainda hoje se ouvem com proveito, seja Too much heaven ou Tragedy.
Os Roxy Music, com o disco Manifesto, iniciaram o caminho para Avalon, com Angel eyes e Dance away, com Rick Marotta na bateria e Richard Tee nos teclados em piano.

Em Abril saiu um disco ao vivo dos Cheap Trick, gravado no Budokan do Japão e um dos melhores discos ao vivo de música popular. Em Maio, um disco dos Tubes, Remote Control, associa-se a esse tipo de música americana.
No mesmo Budokan foi gravado o disco ao vivo de Bob Dylan, saído em Junho e uma desilusão em relação ao Before the Flood, de anos antes, como aliás já o tinha sido o Hard Rain, igualmente ao vivo e saído em 76.

Em Abril saiu igualmente um disco de Frank Zappa, Sheik Yer Bouti, um dos maiores sucessos do músico e que o mesmo atribuía...à capa que representava um árabe de dejehlaba, a fumar o cigarrito da praxe na contra-capa. O disco é uma maravilha da música popular e que percorre todos os estilos do country ao jazz, passando pelo hard rock. É um dos grandes discos do ano e cujos temas se encadeiam num audição de interesse geral.
No final do ano Zappa publicou ainda um duplo LP, da trilogia Joe´s Garage, outra obra de grande fôlego artístico e com capa a condizer.
Com o recuo do tempo, esses dois discos são dos mais importantes do ano.
Os Supertramp, lançaram nessa altura o disco de canto do cisne, depois de três discos fabulosos em que se espraia de modo sonoro, o génio de Roger Hdgson: Brekafast in America. A seguir viria um disco ao vivo e os Supertramp nunca mais seriam os mesmos.

Em Junho, Emmylou Harris lançou a Blue Kentucky Girl, cujo interesse maior reside nos guitarristas James Burton e Albert Lee ( com Hank de Vitto na pedal steel guitar) e o som country, bem tocado e gravado, com o êxito Even cowgirls get the blues.
Ainda nesse mês saiu um disco da nova vaga inglesa, saida do punk de uns anos antes. Ian Dury e os Blockheads publicavam Do it yourself em tonalidade reggae e de música com mais de dois acordes. No mesmo tom, do outro lado do Atlântico, os Devo publicaram Duty now for the future e esses dois discos eram companhia habitual nos programas de rádio de António Sérgio.
Na mesma onda, no final do ano saiu o disco dos Specials, depois dos singles. A message to you Rudi, em dois tons: reggae e pop em formato ska. E também Too much too young e International jet set ou Ghost town. Specials é um grupo de 79, pós punk.

No Verão saíram os melhores discos: J.J. Cale e 5, mais Dire Straits e Communiqué e ainda Neil Young com Rust Never sleeps que me acordou também, à semelhança do reeling in the years, a ouvir a história de Pocahontas e Marlon Brando e o Astrodome e ainda o tepee.

Os primeiros acordes de Communiqué, foram ouvidos no rádio, como habitualmente.
Communiqué é a obra prima dos Dire Straits ex-aequo com Making Movies, do ano seguinte e que tem solid rock, um tema que passou no programa de António Sérgio com uma versão que nunca mais ouvi e que me ficou no ouvido para sempre. Seria um acetato? Um registo sonoro inédito e de promoção? Não sei e gostaria de saber onde desencantou António Sérgio tal preciosidade que na altura passou. Com a morte do mesmo não vai ser possível saber do próprio, mas há esperança nas gravações dos Dire Straits que vão saindo.

No Outono sairam Slow train coming, mais um dos cantos de cisne de Bob Dylan, com participação de Mark Knopfler ( quase imperceptível) e um tema que ouvia bem na altura: I believe in you. Saiu ainda um disco dos Electric Light Orchestra, Discovery que muito apreciava, depois de ter ouvido no ano anterior, Out of the blue e saiu também um que merecia o meu deslumbramento: Bop till you drop, de Ry Cooder.
O disco, o primeiro de música popular gravado digitalmente ( e depois convertido em analógico, com gravação ), é assombroso no trabalho de guitarra e ainda nos temas escolhidos. Seja nos instrumentais ( I think it s going to work out fine) seja nos vocais ( o tema de rythm and blues, Trouble you can fool me e principalmente o fabuloso I can´t win) o disco, apesar de nenhuma composição origina, mas apenas "covers", é um dos discos do ano. Ouvi-o vezes sem conta e sempre a pensar como soaria numa aparelhagem decente e de grau superior, tendo em conta a qualidade da gravação. Com o aparecimento do cd esperaria que a sonoridade fizesse justiça à gravação, mas a frieza do digital deixa muito a desejar, ainda. A não ser que algum dia apareça uma gravação em qualidade superior aos habituais 44.1 kHz, a 16 bits, norma corrente do cd...fico com a ideia sonora que o LP de 1979 ainda é superior.

No final do ano, para além dos Pink Floyd de The Wall, já aqui falado, apareceram os Led Zeppelin, com In through the outdoor, um outro canto de cisne; Eagles, com In the long run, idem aspas e os Talking Heads, com Fear of Music, uma música e um grupo também saídos do punk e new wave, neste caso americano.

Em retrospectiva, se tivesse que levar um só destes discos para uma ilha deserta e ouvir, hesitaria entre o de Ry Cooder e o de Neil Young. Rust never sleeps.

Entretanto, sorrateiramente, nessa altura aparecia uma sonoridade jazzística, nos indicativos de programas, editada pela etiqueta alemã ECM. Pat Metheny só se tornou conhecido na década seguinte, mas o LP American Garage, de 1979, contém um dos seus melhores temas instrumentais.

Pink Floyd, the wall

Em finais de 1979, a música popular tinha perdido mais de metade do interesse, para mim.
Durante todo esse ano, o número de discos publicados com valor que resistiu ao tempo, foi muito pequeno, relativamente a outros anos da década.

Actualmente e em retrospectiva aguentam-se como discos de referência da pop/rock, os de Supertramp, com Breakfast in America; Frank Zappa e Sheik Yerbouti, mais Joes´garage,1; Bee Gees e Spirits having flown; Roxy Music e Manifesto; Doobie Brothers e Minute by Minute; Neil Young e Rust never sleeps; JJ Cale e 5; Dire Straits e Communiqué; Ry Cooder e Bop till you drop e ELO com Discovery.

Em Novembro/Dezembro saiu The Wall, dos Pink Floyd, em disco duplo e que concitou a atenção geral dos rádios, com o single Another brick in the wall.
O disco começou a ser passado no rádio e com análise de alguns comentadores que glosavam os temas como um petisco sonoro e intelectual a saborear com calma e tempo.
Na verdade, o disco contém alguns bons temas musicais da autoria de Roger Waters, sendo considerado quase um disco a solo.
O tema de introdução, In the flesh, desenvolve-se depois pelo tema da educação, com o Another brick e o refrão "we don´t need no education..."
Logo a seguir, porém, surge o acústico Mother e acaba assim o lado um do LP.
No lado dois, um dos temas importantes, One of my turns, precedido por monólogos femininos em visita de casa, depois de passar pelo tema floydeano e favorito de concertos , Young Lust, precisamente um tema Waters/ Gilmour, com destaque para a guitarra deste.
O lado três, começa com Hey You e prosssegue com "is there anybody out there?, sussurrado em canto, a introduzir outro tema forte, Nobody Home, que termina em típica toada Pink Floyd. O lado termina com Confortably Numb, um dos picos do disco.
O último lado contém In the flesh, run like hell, outro tema de concerto e termina com The Trial.

De todas as vezes que ouço o disco, lembro-me da apreciação dos críticos da época ( João Filipe Barbosa, por exemplo) que referiam a obra como de grande densidade a suscitar estudo aturado dos temas e com digestão intelectual adequada. Tal como o fizeram com o disco dos Genesis, The Lamb lies down on Broadway, de 1975.

Procol Harum

A actual reedição dos discos dos Procol Harum, por ocasião do 40º aniversário do lançamento de A Salty Dog, é muito cuidada e o som, rematrizado, excede o das anteriores edições dos discos, em 1995.

Durante a primeira metade do ano de 1973, saiu um disco que concitou a atenção geral de quem escutava música popular na altura. O grupo, aliás, esteve em Portugal, para dois espectáculos em Cascais, com crónica na Mundo da Canção nº 35.

Grand Hotel dos Procol Harum começou a passar no rádio de então como uma canção que se ouvia em modo de sucesso. E no álbum havia outras: toujours l´amour, rum tale, souvenir of London, eram mais três e ainda Liqourice John.

O disco depois de ouvido na discoteca local ficou no ouvido como um dos grandes Lp´s de 1973 ( a par de Quadrophoenia dos The Who; Dark side of the moon dos Pink Floyd e Goodbye Yellow brick road de Elton John).
Nessa altura, alguém da turma comprou o disco e num intevalo aproveitei para passar a letra do tema principal. Assim como fica aqui, num pequeno papel amarelecido pelo tempo.

Dream dos NGDB

Um dos discos que mais gosto, todos os géneros confundidos, é este dos Nitty Gritty Dirt Band. Dream, publicado em finais de 1975, é um dos melhores senão o melhor do grupo e assim foi escrito pela revista Rock & Folk, numa crónica de Dezembro de 1975, aqui fotografada, assinada por Claude Alvarez-Pereyre e que começa assim:

(...) "a uma introdução etérea e planante sucede um instrumental do grupo, um bom e velho reel, tendo em particular um soberbo solo de guitarra acústica ( poderia ser uma Gibson, com o som ao mesmo tempo seco e muito doce). "
A revista Rolling Stone da mesma altura, 6 de Novembro de 1975, arrasava o disco, fazendo pouco da capa interior em que se proclamava que o grupo dominava "todos os estilos de música". A crónica de Ed Ward terminava dizendo que "jack of all trade, master of none", para resumir o disco. Não se percebe esta crítica, vinda ainda por cima de um americano, sobre um grupo americano.

Ainda assim, este Dream, dos Nitty Gritty Dirt Band, passou algumas vezes no rádio, de 1975/76 em programas de Jaime Fernandes e Jaime Lopes, à noite.
Lembro-me de ouvir e gravar, ficando para sempre na memória a diversidade dos estilos musicais e a beleza das músicas, sem excepção. É um daqueles discos que se ouve do princípio ao fim, sem intervalos de gosto menos que excelente, por causa do alinhamento dos temas que mistura canções com temas acústicos instrumentais, muito sóbrios e de estilo diversificado que se fazem valer pelo virtuosismo dos elementos do grupo, com destaque para John McEuen.
Destaca-se em particular, um composição do célebre tema All you have to do is dream, de D. Bryant e interpretado por muitos artistas, com relevo para Doc Watson, Leo Kottke e Everly Brothers, por exemplo entre outros.
Ripplin Waters é um tema de Jim Ibbotson, um elemento do grupo e que concita a atenção pela delicadeza da composição acompanhada a bandolim. Joshua come home, igualmente de Ibotson, é outra pequena maravilha e a composição final é um tema instrumental repescado de um disco antigo em metal e que tocava automaticamente nos bares, como ainda hoje se pode ouvir em pequenos cilindros pré-formatados em relevo.

A apresentação gráfica do disco, em LP é outro ponto alto, com uma capa a apresentar um desses discos antigos e que se desdobra para recortar meia capa por cima, como se pode ver na imagem.
A apresentação dos cd´s não consegue o mesmo efeito, sendo certo que dos dois que se publicaram- um da BGO Records, inglesa e que desbota as cores quentes originais do castanho do disco e outro da Capitol-United Artists ( etiqueta original americana), com melhor tonalidade gráfica ( na imagem), mas ainda assim longe do toque do cartão do vinil original.
O som, esse nem se fala. Ouve-se e em vinilo é mais perfeito e adequado ao que me lembro de ouvir no rádio mono de então...



Pormenor da capa do LP, muito próxima da cor real ( a redução do tamanho em bits limita a definição mais perfeita, porque a cor real é um pouco mais escura no castanho e dourada na imagem espelhada) , mas ainda assim, insuficiente para mostrar toda a beleza gráfica do cartão usado e impressão da imagem, com tonalidades mate, dignas de figurar num lugar cimeiro entre as melhores capas de discos de música popular. A ampliação da imagem permite ainda uma melhor visualização que no objecto real, suscita uma atenção demorada ao pormenor da cor e subtileza da variação no título e imagem inscrita na imagem.

Tubular bells

Em 1974/75, o programa de rádio Página Um, passava de vez em quando música instrumental em pequenos trechos, sempre interessantes.

Um dos instrumentais que passava em 75 era do álbum Artistry de Eumir Deodato, um brasileiro radicado nos USA.

Porém, os instrumentais na música popular, começaram bem antes a ser interessantes. Pelo menos desde Spanish Flea, de Herb Alpert e a Tijuana Brass, de 1966; Albatross, de Fleetwood Mac, de 1969 e Sylvia, dos Focus, de 1973.

Precisamente em 1973, apareceu um disco instrumental que provocou uma onda de interesse, em primeiro lugar na Inglaterra e depois um pouco por todo o lado.

Mike Oldfield, com vinte anos, gravou quase toda a música de Tubular Bells, tocada por si e o disco foi um sucesso da pop/rock que ainda hoje se ouve muito bem. Os diversos temas, todos instrumentais, encontram o seu pico sonoro na estrutura de Harmonics, o 12º tema do disco

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